Antikrist en Berlín
Mayo 2, 2025. Descrita por el musicólogo sueco Bo Wallner como una de las partituras más ingeniosamente elaboradas del romanticismo nórdico tardío, Antikrist (El Anticristo)—la única ópera del danés Rued Langgaard (1893-1952), compuesta a lo largo de la década de los 20 pero estrenada de manera póstuma— es una obra fascinante y profundamente filosófica, nacida en los tiempos convulsos de la primera posguerra.
Su lenguaje musical es ecléctico, pero también muy personal. Sin duda, se pueden distinguir influencias de Wagner, Strauss, Schreker y Korngold. El efecto sonoro es atractivo, atmosférico y de colores oscuros, que se combina con el texto del Zeitgeist, lleno de simbolismo místico basado en la Biblia (El Cantar de los Cantares) y el poemario Gitanjali de Rabindranath Tagore. Utiliza un lenguaje propio en ‘La Iglesia-ruina del ruido’, un circunloquio para “el mundo actual”, que es un mundo sin Dios y cacofónico.
La revisión de 1926-30 significó que la ópera recibió un mensaje religioso más claro. Es obvio que la obra intenta indicar que el mundo, visto antes y después de la Primera Guerra Mundial, ha alcanzado tal decadencia que el Diablo ha triunfado. Bueno, casi, porque en la sexta escena el Anticristo es destruido. Una obra como esta, con tanto bagaje filosófico, necesita una producción visual potente con figuras exageradas, como las que se insinúan en el texto.
Ersan Mondtag utilizó un solo escenario, dos calles que convergen: las dos caras de la vida y la muerte. Los personajes adquieren una presencia fantasmagórica, parecen almas perdidas a merced (principalmente) de la influencia del Diablo. Todo, que por cierto se desarrolla en un flujo continuo de una hora y media, nunca es aburrido ni demasiado largo. Siempre hay algún elemento que aparece inesperadamente, incluso si se ha leído el programa de antemano. Dos actos frenéticos, de tres escenas cada uno, narran la acción desde la aparición del Anticristo hasta su muerte. No es para cardíacos.
La cumbre del drama se alcanza al comienzo del segundo acto, titulado “Lujuria”, con la aparición de la Gran Ramera, una figura obesa, femenina y masculina, absurda, decadente y, de hecho, bastante repugnante. Está rodeada por un coro guiado por el deseo de sus propios placeres. Los personajes principales, aparte de la Gran Ramera, se llaman Lucifer, la Boca que pronuncia Grandes Palabras (megalomanía), la Melancolía (que refleja pesimismo y amargura), la Bestia Escarlata (compañera de la Gran Ramera), y la Anarquía, que siembra las semillas del desacuerdo entre la Gran Ramera y la Mentira, y conduce al Día del Juicio.
Es una obra compleja, pero también entretenida y moralizante, especialmente hoy en día. Las voces son duras, también hay gritos, pero en el contexto de la concepción de Langgaard cobra sentido. El bien triunfa sobre el mal y la tentación. Sería odioso elegir a un cantante sobre los demás; después de todo, esto es un trabajo en equipo. Así que se puede decir con seguridad que el 2 de mayo todos los papeles estuvieron muy bien elegidos y ensayados, el coro se movió como debe moverse la gente maldita (uno se imagina) y el espectáculo fluyó, demostrando que hay más de una manera de cocinar un ganso.
Una obra magnífica, perfectamente preparada, cantada e interpretada bajo la experta dirección de Stephan Zilias, quien exprimió al máximo esta magnífica partitura. El teatro estaba abarrotado y lleno de entusiasmo. ¿Qué más se puede pedir?