Frank Hilbrich: “La ópera tradicional no puede conectar plenamente con el público moderno actual”

 

Mayo 5, 2025. Frank Hilbrich (nacido en 1968) es considerado uno de los directores de ópera más distinguidos de su generación en el mundo germanoparlante. Comenzó su carrera como asistente de dirección en el Teatro de Bremen, el mismo teatro donde trabaja actualmente. Su trayectoria lo llevó a desempeñar cargos formativos como director de escena en la Ópera de Stuttgart, así como director de escena principal y subdirector de ópera en el Teatro Estatal de Schwerin.

Desde 2002, Hilbrich trabaja de forma independiente, llevando a cabo producciones en teatros de renombre como la Komische Oper de Berlín, la Semperoper de Dresde, el Teatro de Basilea, la Ópera Estatal de Hannover, el Festival de Bregenz, la Ópera Estatal de Hungría en Budapest y el Teatro de Friburgo, donde llevó a escena El anillo del nibelungo de Richard Wagner.

Desde 2013, es profesor de Interpretación Escénica en la Universidad de las Artes de Berlín. En la temporada 2022-23 se incorporó a la dirección artística del Teatro de Bremen como director principal de Teatro Musical. Sus producciones de Don Carlo, Hello, Dolly!, Ariadne auf Naxos, Doctor Atomic, Lohengrin y más recientemente Otello recibieron amplio reconocimiento.

A partir de la temporada 2026-27, Hilbrich asumirá el cargo de director general del Musiktheater im Revier (MiR) de Gelsenkirchen. Su trabajo es reconocido por su relevancia social, su estética distintiva, su excelente elenco de cantantes y su constante reinterpretación de obras clásicas. Además, está profundamente comprometido con el desarrollo de jóvenes talentos vocales, priorizando la individualidad, la solidez técnica y la presencia escénica.

A partir de la próxima temporada, usted asumirá el cargo de intendente general en Gelsenkirchen. ¿Qué le atrae de este nuevo puesto?
Puede parecer extraño, pero nunca aspiré a ser director de una institución prestigiosa como la Ópera Estatal de Baviera. Si bien esa ópera es realmente impresionante, Gelsenkirchen me resulta mucho más atractiva, tanto como ciudad como centro cultural vibrante. En el MiR, veo un gran potencial para explorar la cuestión esencial de qué puede significar el teatro para las comunidades locales hoy en día. El público teatral está evolucionando rápidamente y se está volviendo más diverso, lo que genera nuevos temas, perspectivas y expectativas que debemos reconocer y abordar en el escenario.

Me entusiasma que Gelsenkirchen ofrezca un escenario pequeño y uno grande, ambos dedicados íntegramente al teatro musical y la danza. Esto nos permite presentar desde grandes óperas hasta espectáculos íntimos que abarcan diversos géneros. Esta flexibilidad es vital. Si bien aprecio profundamente la ópera tradicional, creo que por sí sola no puede conectar plenamente con el público moderno actual.

Al recordar su tiempo en el Teatro Bremen, especialmente como director principal y jefe artístico: ¿cuáles de sus producciones fueron hitos para usted y por qué?
Recuerdo mi trayectoria con profunda gratitud. Fue aquí donde asistí a mi primera ópera y me uní al club de teatro juvenil. Por eso, fue muy emotivo para mí que posteriormente me confiaran la dirección de la división de teatro musical.

Es difícil señalar un solo hito. Don Carlo, por ejemplo, fue significativo porque demostró que la gran ópera aún puede conservar una fuerte relevancia social. Hello, Dolly! marcó mi primera producción musical, durante la cual aprendí muchísimo. Doctor Atomic fue, sin duda, un hito, no solo por su temática explosiva, sino porque ilustró cómo la ópera puede explorar el fenómeno Oppenheimer de una manera más profunda y fascinante que otros géneros.

Lohengrin fue esencial ponerlo en escena en un momento en el que el movimiento de extrema derecha estaba ganando impulso. Me habría encantado presentar muchos más estrenos, pero aun así estoy agradecido de que hayamos logrado mostrar la amplitud del teatro musical en Bremen, desde el Barroco temprano hasta la música contemporánea.

¿Cuál es su enfoque a la hora de reinterpretar obras del pasado para el público actual?
Para mí, el teatro musical moderno debe reflejar temas sociales. Este enfoque me impulsa como director. El teatro trata fundamentalmente sobre las personas y la sociedad, así como sobre la tensión entre las expectativas sociales y la autonomía personal, lo cual a menudo puede ser bastante desafiante. En cuanto a mi enfoque personal, sigo un método profundo y tradicional. Empiezo leyendo el material, lo vuelvo a leer y lo sigo leyendo varias veces. Escucho la música repetidamente y estudio las partes orquestales o la partitura de piano. Después, me pregunto: ¿Me conecta la pieza? ¿Me conmueve emocionalmente? Si ambas respuestas son “no”, entonces dejo la obra a un lado.

Ha trabajado en teatros de renombre tanto a nivel nacional como internacional. ¿Cómo han moldeado estas experiencias su voz artística? ¿O ha dejado de aprender?
Aún no he terminado de aprender. Siento una curiosidad constante que me impulsa a explorar nuevos caminos artísticos y a progresar en mi trabajo. Cada casa, proyecto y colaboración que he vivido ha influido significativamente en mi trayectoria artística. Conocer a Hans Neuenfels cuando era un joven asistente fue crucial; me enseñó lo que realmente significa “pensar como director”: cómo sumergirse por completo en una obra y darle vida, así como la importancia de proteger el arte y el proceso artístico.

Ahora, en mi nuevo cargo como intendente general, esta responsabilidad se ha vuelto aún más crucial para mi misión. No se trata solo de dirigir, sino de facilitar y proteger el trabajo artístico. He sido testigo del gratificante impacto que esto tiene cuando se hace correctamente. Intendentes como Michael Börgerding en Bremen, Alfred Wopmann en Bregenz y Klaus Zehelein en Stuttgart son para mí grandes ejemplos a seguir. No solo facilitaron los procesos artísticos, sino que también los impulsaron y protegieron activamente.

 

 

¿Cuál es su visión del teatro musical del futuro? ¿Qué papel ve para usted en su configuración?
Concibo el teatro como un espacio que el público pueda apropiarse, con el que pueda interactuar y experimentar. Mi sueño y meta es establecer el teatro musical como un espacio de reflexión social, que muchos promuevan y evolucionen continuamente. Debemos alejarnos de la idea de que el teatro musical es elitista. Es fundamental incluir más música nueva, historias innovadoras y diversas formas de expresión en nuestro trabajo. Considero mi rol como el de impulsar estos procesos, brindar inspiración y evitar la rigidez artística o comprometer nuestra visión.

Usted es profesor de Interpretación Escénica en la Universidad de las Artes de Berlín. ¿Cómo ha influido el trabajo con jóvenes talentos en su visión del teatro musical?
Trabajar con la Generación Z ha transformado profundamente mi perspectiva sobre el teatro musical en múltiples niveles. Estos jóvenes aportan nuevos valores, expectativas y un sentido de autoridad diferente. Exigen participación, significado y un diálogo genuino, lo que nos reta a reconsiderar nuestra percepción de la ópera y la gestión de nuestras instituciones.

En un entorno universitario, observo mayor apertura artística e innovación profesional que en muchos teatros tradicionales. En la educación vocal clásica, ya no basta con cantar bien; también es necesario ser capaz de recitar, interpretar y trabajar de forma independiente. Los teatros deben adaptarse a esta evolución. Por ejemplo, el antiguo modelo de audición —cantar unas cuantas arias, conseguir un contrato de dos años y listo— ha quedado obsoleto. En Bremen, hacemos las cosas de forma diferente. Nadie es contratado sin un ensayo de trabajo y una conversación personal. Buscamos personas que contribuyan al conjunto, asuman la responsabilidad y tengan algo significativo que decir. Este enfoque fomenta la confianza, la creatividad recíproca y un ambiente de curiosidad artística.

¿Ya ha trabajado con el repertorio de ópera mexicana? ¿Hay obras o artistas mexicanos que le gustaría presentar?
Siento una gran pasión por la música latinoamericana, aunque apenas he comenzado a explorar la ópera y el teatro musical mexicanos. Hasta ahora, mi conexión más fuerte ha sido con la música cubana, y una obra que me impresionó especialmente es la zarzuela Cecilia Valdés. 

Me encanta la profundidad emocional y la vitalidad rítmica de la música latinoamericana, que trasciende el mero entretenimiento. Abarca un amplio espectro artístico, desde estilos populares hasta formas clásicas sofisticadas como zarzuelas y obras sinfónicas. Dicho esto, sería falso afirmar que ya tengo una producción mexicana específica en marcha. Sin embargo, estoy muy abierto a nuevas experiencias en este ámbito.