Gianmaria Aliverta—“Para mí, la ópera es vida”

 

En su Instagram se describe como “director de ópera, experto en Verdi y acérrimo antiwagneriano”. Nacido en 1984, estudió canto de ópera en Milán, Trapani y Bérgamo y luego pasó definitivamente a la dirección de ópera. 

 

En 2011 fundó la asociación VoceAllOpera, que tiene como objetivo la difusión de la ópera en contextos inusuales, dando la primera oportunidad de debutar a artistas que hoy en día actúan en los escenarios internacionales más importantes. Para VoceAllOpera ha firmado la dirección de L’elisir d’amore de Donizetti; Il barbiere di Siviglia, tanto de Paisiello como de Rossini, así como La Cenerentola de Rossini; Rigoletto, La traviata e Il trovatore de Verdi; La bohème y Gianni Schicchi de Puccini, La voix humaine de Poulenc; y Cavalleria rusticana de Mascagni.

En la siguiente entrevista, el regista conversa con nuestro corresponsal italiano sobre VoceAllOpera.

 

Buenos días, maestro Aliverta, ¿cómo está?
Muy bien, gracias. La estoy pasando genial. Estoy haciendo muchas cosas, tanto a nivel profesional como personal, que me resultan muy satisfactorias. Intento dedicarme solo a lo que disfruto y me motiva, así que puedo decir que soy afortunado y feliz.

 

 

Permítanme algunas preguntas. ¿Fue un paso corto desde las colinas de Alto Vergante (junto al Lago Maggiore, en Novara) hasta VoceAllOpera? ¿Fue un sueño largamente acariciado finalmente hecho realidad?
VoceAllOpera no es solo un proyecto; es una visión que nació hace más de quince años. La concebí, la creé y la forjé con la idea precisa de construir una realidad diferente en la escena operística italiana: un auténtico punto de encuentro para el talento, la dedicación y la humanidad. 

Mirando hacia atrás, hoy solo puedo reconocer lo fecunda que ha sido esa visión inicial. Fue una plataforma de formación no solo para mí, sino para decenas de jóvenes artistas que, gracias a este espacio, despegaron: pienso en los importantes debuts, los podios internacionales, los prestigiosos teatros como La Scala, el Teatro Real de Madrid y La Fenice, pero también en el primer experimento operístico en Antigua (donde en 2018 Aliverta fundó la Antigua Opera Society, la primera en el Caribe), las giras por China, Japón e incluso los International Opera Awards en Londres.

VoceAllOpera se ha convertido en un referente para la búsqueda de nuevos talentos y, sobre todo, lleva mi sello: un enfoque artístico no autorreferencial, capaz de combinar profesionalismo y calidez humana. La palabra más utilizada por quienes han participado es “familia”. Y no una familia idealizada o retórica, sino una familia real, hecha de seriedad, rigor, de compartir, escuchar y crecer. Para mí, hacer ópera significa partir de lo humano: conocernos, comprendernos, aceptar las fragilidades, destacar las fortalezas y, a partir de ahí, crecer, evolucionar, convertirnos en lo que queremos ser.

No creo que podamos llamarlo un hito, porque VoceAllOpera está en constante evolución. Es una compañía que se transforma, que escucha los signos de los tiempos y se adapta, con la misma energía de quienes saben que el arte, para estar vivo, debe renovarse constantemente. Y de esto, sí, puedo decir que estoy profundamente orgulloso.

 

 

Su elección de localizaciones inusuales y producciones que no son ostentosas, sino conceptuales e innovadoras, han forjado su carrera como director. ¿Cómo surgió esta idea y pasión por popularizar la ópera?
Para mí, la ópera es vida. No pasa un día sin que cante, escuche o lea algo relacionado con el teatro musical. Es una pasión visceral, que siento un deber, además de un placer, compartir con todos los que conozco. Cuando descubro algo hermoso, siento la necesidad de compartirlo con todos.

Con VoceallOpera, quería hacer precisamente eso: hacer la ópera accesible, sin menospreciarla jamás. La ópera, por su propia naturaleza, es una máquina imponente: teatros, equipo de producción, orquestas, vestuario, escenografía… Pero quería destilar su esencia. Quería evitar esas producciones torpes y amateur que, incluso con un gran número de asistentes, a menudo rozan el ridículo. Al contrario, me he centrado en unos pocos talentos cuidadosamente seleccionados: artistas jóvenes y motivados con una verdadera oportunidad de emerger.

Creo en la formación y el desarrollo del talento. No me interesan los consagrados, los cantantes que llegan por la tarde para cantar por la noche. Quiero trabajar con quienes aún tienen ambición, con quienes están dispuestos a desafiarse a sí mismos. Con ellos, creamos espectáculos en los que cada decisión es meditada, en los que cada gesto tiene significado. Al despojar al trabajo de lo superfluo, emerge lo esencial: la letra, la música, la interpretación. Y cuando un cantante se encuentra solo en el escenario, sin el apoyo de grandes escenografías ni extras, no puede evitar vivir verdaderamente lo que canta.

Es un regreso a la ópera auténtica, a ese ideal que también imaginó Verdi: esencial, poderoso, necesario. Y por eso cada producción de VoceAllOpera incluye al menos tres semanas de ensayos. Es el mínimo indispensable, y cada vez es más raro en los teatros. Pero sin tiempo, sin trabajo, sin estudio profundo, nada se crea. En diez días apenas hay tiempo para conocerse.

 

 

Además de VoceAllOpera, usted es un director que ha actuado en todo el mundo y ha abordado músicas y libretos muy diversos: desde L’incoronazione di Poppea de Monteverdi en el Festival della Valle d’Itria hasta La voix humaine en La Fenice de Venecia. ¿Cómo se siente y experimenta la creación de una producción?
Cuando abordo una nueva obra, tengo dos misiones esenciales: respeto al público y respeto al autor. Estos son mis principios rectores, ya sea trabajando en una casa rural a las afueras de Milán, inaugurando el Teatro Real de Madrid, llevando la ópera a Antigua o a teatros internacionales. Mi enfoque se mantiene inalterado: el público siempre es el público y merece el mismo cuidado, atención y calidad.

Nunca he medido el compromiso por los honorarios. Ya sea una producción para VoceAllOpera o para un gran teatro internacional, la energía, la dedicación y el rigor son los mismos. Hay que escuchar, comprender e incluso anticipar al público, sin distorsionar jamás su naturaleza, pero teniendo siempre en cuenta la sensibilidad del lugar y el contexto en el que se desenvuelve.

De igual manera, creo profundamente en la centralidad del autor. Mi dirección parte de un principio obvio en la música, pero a menudo ignorado en la dirección: la práctica interpretativa. Así como un cantante conoce las convenciones estilísticas de una época y puede decidir si respetarlas o subvertirlas conscientemente, me planteo la misma pregunta sobre el autor: ¿cómo puedo dar vida a su visión hoy, sin traicionarla?

No tengo un estilo visual único: cada obra requiere un enfoque diferente, puede ser historicizada o actualizada. Intento comprender no solo lo que dice esa obra, sino también lo que puede decir hoy y en ese contexto específico. Mi sensibilidad —que cambia con el tiempo— debe estar al servicio del texto, sin abrumarlo. Mi labor es ser un guía silencioso entre el público y el compositor, para que los temas, las emociones y las heridas que inspiraron esa ópera sigan hablando, conmoviendo y cuestionando. 

 

 

Este año, regresa al Festival de Stresa con una ópera desafiante, Don Giovanni, que lleva la música de Mozart a la Isola dei Pescatori.
Debo decir que me siento profundamente honrado. Además de los directores artísticos que se han sucedido a lo largo del tiempo, creo ser uno de los pocos artistas que ha sido reelegido para tres ediciones consecutivas, una muestra de confianza excepcional y valiosa. Este es el tercer año que llevo mi enfoque operístico a la tierra donde crecí, y esto tiene un enorme valor emocional y profesional.

Durante los últimos dos años, en Orta, un lugar conmovedor, pude crear una experiencia inmersiva en la que el espectador fue el verdadero protagonista: el público recorrió lugares simbólicos, desde el jardín de Villa Bossi hasta el ayuntamiento, hasta ser trasladado a la isla para el acto final. No cambiábamos de decorado, sino de espacio, y esto creó una inmersión total.

Este año, manteniendo la misma ubicación, nos encontraremos suspendidos sobre el Lago Maggiore, rodeados de la belleza de la Isola Madre y los históricos hoteles de Stresa. Traer a Mozart a semejante contexto, con pocos instrumentos pero una idea poderosa, es un privilegio excepcional. Poner en escena en el teatro es nuestra profesión, pero ser invitados a reinventar la ópera en espacios no convencionales, y hacerlo durante tres años consecutivos, gracias a la confianza de Mario Brunello y del festival, es algo que pocos pueden experimentar. Y me confirma, quizás, como portador de una visión diferente y necesaria de la ópera actual.

 

 

Volviendo a VoceAllOpera, ¡veo que el Concurso Internacional de Ópera Giancarlo Aliverta crece año tras año! ¿Son gratificantes?
El concurso me mantiene ocupado durante nueve meses al año, completamente gratis, y es quizás la actividad más exigente y, a la vez, la más gratificante que realizo. Con esta quinta edición, creo haber subido el listón, introduciendo cambios profundos que abordan una necesidad clara: renovar un sistema saturado. Hay muchos concursos de ópera en Italia, quizás demasiados. Si unieran fuerzas, podrían surgir iniciativas extraordinarias. Pero a menudo, la gente prefiere cultivar su propio territorio, en detrimento de una visión colectiva.

Me complace observar que muchas de las ideas presentadas en nuestro concurso se están replicando en otros lugares: es una señal de que estamos trazando un camino sensato. Este año, por ejemplo, eliminé el límite de edad. Esta decisión también surgió como resultado de la brecha generacional creada por la COVID-19, que ha cercenado las piernas de muchos jóvenes artistas que ahora están excluidos de los circuitos simplemente por razones de edad. Darles una segunda oportunidad me parece un acto de justicia.

Pero la verdadera innovación, y quizás la más revolucionaria, es que el nuestro es un concurso basado en roles: el ganador debuta de verdad, no solo recibe un premio en metálico. Y la ópera se elegirá en función de las voces, no al revés. Esto lo hace todo posible: desde Monteverdi hasta Mascagni, desde Mozart hasta Nino Rota. Es un concurso que se reinventa cada vez, lo que requiere una planeación total, lejos de fórmulas prefabricadas. Es ciertamente complejo, pero transmite un profundo significado: el de crear oportunidades concretas y genuinas que dejen una huella imborrable. Y si al final estás agotado, es por algo verdaderamente valioso.

 

 

Para concluir con un poco de ironía, ¿las próximas producciones serán “efervescentes y vibrantes” o “efervescentes y explosivas”?
Me espera una temporada intensa y variada, que arranca con Don Giovanni, que presentaremos en el Festival de Stresa: una lectura moderna, desprovista de elementos bucólicos o sobrenaturales, en la que todo es extremadamente real, tan real como la resurrección de un muerto que arrastra a otro al infierno, culpable solo de querer ser él mismo.

En septiembre, viajaré a España, a La Coruña, con La finta semplice, también de Mozart, donde el universo de máscaras y roles sociales del libretista Carlo Goldoni se teñirá de rosa: será una producción totalmente inspirada en el mundo de Barbie, una forma irónica pero mordaz de retratar el patriarcado con solo aparente ligereza.

En otoño, estaré en el Teatro Regio de Turín con Hänsel und Gretel de Humperdinck, esta vez en una producción histórica, fiel a la imaginería romántica y de cuento de hadas, pero sin caer en el kitsch: un homenaje a aquellos dibujos de los libros Cuore que alimentaron nuestra infancia.

Por fin, en diciembre, un nuevo reto: Il canto di Natale (El villancico), estreno mundial de VoceAllOpera, inspirado en la obra maestra de Charles Dickens. Aún no sé si será un éxito rotundo o una explosión, quizás ambas cosas, pero sin duda será un proyecto alegre, que mira al futuro con entusiasmo y la alegría que solo la música puede transmitir.