Mayo 26, 27, 29 y 31. Una vez más, la Ópera de Sofía, Bulgaria, superó con brillantez el desafío que supone abordar el ciclo completo de El anillo del nibelungo. La nueva edición de su Festival Wagner se saldó con un triunfo artístico de primer orden que volvió a poner de relieve la madurez alcanzada por una institución que, en los últimos años, se ha convertido en una cita imprescindible para los admiradores del genio alemán.
El prestigio que hoy rodea al festival no responde al azar. Es el resultado de una admirable suma de talento, dedicación y rigor que ha dado forma a un proyecto de prestigio internacional, capaz de congregar cada verano a aficionados y especialistas de numerosos países en torno a una de las experiencias wagnerianas más relevantes de la cartelera operística actual.
Buena parte del triunfo de esta nueva reposición debe atribuirse al trabajo del infatigable Plamen Kartaloff, artífice de una propuesta escénica que, desde su presentación inicial en 2023, se ha consolidado como uno de los mayores atractivos del Festival Wagner de Sofía. Su lectura de la tetralogía impresiona por la solidez de su concepción escénica, la claridad con la que expone el complejo entramado narrativo de la obra y una poderosa imaginación visual puesta siempre al servicio del relato. Rica en aciertos teatrales y recursos escénicos de gran inventiva, la producción encuentra un equilibrio muy afortunado entre el respeto a la tradición y una sensibilidad contemporánea.
Kartaloff aborda el Ring como una reflexión de alcance universal sobre la naturaleza humana, donde la ambición y el deseo de poder desencadenan ciclos de degradación moral, violencia y destrucción que se repiten inexorablemente a lo largo del tiempo. Profundo conocedor de los mecanismos teatrales, el director búlgaro prestó particular atención a la composición psicológica de los personajes y a los mecanismos mediante los cuales se ejerce y perpetúa el poder, desarrollando estas ideas mediante una amplia gama de recursos creativos que enriquecieron constantemente la acción escénica.
Al desempeñar un papel fundamental en la plasmación escénica de la visión de Kartaloff, el escenógrafo Hans Kudlich ideó un espacio escénico presidido por tres grandes trisqueles, antiguos símbolos geométricos vinculados a las tradiciones celtas y nórdicas, que funcionaron como eje vertebral de las cuatro óperas. La permanente transformación de estas estructuras —que se elevaban, rotaban, se abrían y fragmentaban ante los ojos del espectador— permitió generar una gran variedad de espacios dramáticos y dotó al conjunto de una marcada fluidez narrativa. Al mismo tiempo, su presencia constante reforzó algunos de los temas centrales de la tetralogía, entre ellos la inevitabilidad del destino y las dinámicas mediante los cuales se ejerce y perpetúa el poder.
Compartió la misma visión Andrej Hajdinjak, responsable de la iluminación, y Elena Shopova, encargada de los elementos multimedia, quienes desarrollaron un sugestivo universo visual de impresionante riqueza cromática. Gracias a una estrecha interacción entre luces, proyecciones e imágenes, el escenario adquirió una dimensión psicológica, convirtiéndose en la proyección exterior de los conflictos internos de los personajes. El color, la textura visual y los efectos lumínicos contribuyeron así a intensificar el contenido emocional del drama y a subrayar los estados anímicos de sus protagonistas. Aportó calidad a la vertiente visual Hristiyana Mihaleva-Zorbalieva, autora de un vestuario de refinada factura, notable elaboración artesanal e inteligente actualización estética que dialogó con absoluta naturalidad con el resto de los elementos de la producción.
Entre los hitos de la puesta en escena merecen destacarse especialmente la llegada de los dioses al Walhalla al término de Das Rheingold, la espectacular “cabalgata de las valquirias” —montadas en impactantes caballos rojos—, el mágico círculo de fuego que protege el sueño de Brünnhilde y la poderosa resolución final del surgimiento de un nuevo mundo tras la destrucción del antiguo. Ya sea por lo imaginativo de sus soluciones teatrales o la contundencia de su impacto visual, estos episodios figuraron entre los momentos más celebrados de todo el ciclo y provocaron algunas de las reacciones más entusiastas del público.
Si la puesta en escena de Kartaloff representó el elemento más sobresaliente de esta reposición, la labor de Constantin Trinks al frente del apartado musical constituyó uno de los cimientos sobre los que se asentó el éxito de la empresa. Al dirigir a la magnífica Orquesta de la Ópera de Sofía, el maestro alemán volvió a acreditar las razones que lo sitúan entre los más sólidos especialistas wagnerianos del panorama actual. Su familiaridad con los complejos engranajes de la partitura se tradujo en una dirección de gran autoridad, capaz de mantener en todo momento la tensión dramática y la continuidad del discurso musical. Con gesto seguro, firme y una concepción claramente estructurada, Trinks ofreció una lectura rigurosa y minuciosamente elaborada, caracterizada por la precisión del detalle y por un constante equilibrio entre el escenario y el foso.
Entre los numerosos aciertos de su interpretación cabe destacar los grandes episodios sinfónicos de la tetralogía. Tanto el “viaje de Sigfrido por el Rin” como la “marcha fúnebre de Sigfrido” alcanzaron un singular relieve gracias a una dirección enérgica, rica en matices tímbricos y admirablemente articulada. Sin recurrir a efectos superficiales ni a una grandilocuencia innecesaria, el director puso en valor la enorme riqueza de la escritura musical wagneriana, convirtiendo ambos pasajes en dos de los momentos más logrados y emocionantes de toda la edición.
En el terreno vocal, el elenco compuesto mayoritariamente por artistas nacionales ofreció una nueva demostración de la fortaleza y vitalidad que caracterizan actualmente al canto lírico búlgaro. Enfrentados a una de las partituras más exigentes de todo el repertorio operístico, los intérpretes respondieron con solvencia, entrega y una convicción dramática acorde con la envergadura del desafío. Del equipo de voces masculinas destacó en particular Martin Iliev, quien asumió con solvencia los papeles de Siegmund y Siegfried. En ambas caracterizaciones desplegó un instrumento caudaloso, de inequívoco carácter heroico, emisión uniforme, proyección generosa, firmeza en la zona aguda y una resistencia más que considerable. Como Siegmund brilló particularmente por la calidad de su fraseo y por un exquisito legato en ‘Winterstürme’, servido con sensibilidad y acentuado lirismo. En Siegfried, imprimió al personaje la frescura y el ímpetu juvenil requerido por la parte, en particular durante la escena de la forja de la espada.
Siempre fiable, Daniel Ostretsov volvió a hacer gala de su habitual profesionalidad componiendo un Loge de gran relieve. Dueño de una voz de atractivo timbre, homogénea en todos los registros y emitida con seguridad, construyó al astuto y manipulador semidiós mediante una amplia variedad de matices expresivos que enriquecieron su composición del personaje. Entre el grupo de dioses, cumplieron con eficacia el Donner de Svetozar Rangelov y el Froh de Emil Pavlov. Como los hermanos nibelungos, tanto el detallista Krassimir Dinev como el sonoro Plamen Dimitrov hicieron valer unos medios vocales de indudable entidad y firmaron caracterizaciones muy logradas. Dinev plasmó con minuciosidad los múltiples matices del temeroso, codicioso y oportunista Mime, mientras que Dimitrov dio forma a un Alberich sombrío, resentido y profundamente retorcido. Ambos reflejaron con la amplia variedad de estados de ánimo que atraviesan sus personajes a lo largo del drama, componiendo retratos de gran riqueza psicológica.
Stefan Vladimirov encarnó a un creíble gigante constructor Fasolt, aunque su interpretación careció ocasionalmente de la sutileza deseable. Por su parte, Petar Buchkov ofreció una estimable labor como su hermano Fafner, aunque sería posteriormente, en el mucho más agradecido papel de Hagen, donde alcanzaría su mayor reconocimiento. En este personaje encontró un vehículo ideal para exhibir las virtudes de un instrumento amplio, cavernoso y de poderosa resonancia, así como una intensa presencia escénica que le permitió delinear con autoridad la brutalidad, el cinismo y la oscura complejidad psicológica del hijo de Alberich.
Como Wotan en Das Rheingold, Veselin Mihaylov demostró afinidad y seguridad en la interpretación de la parte. La calidad de su timbre, la ductilidad de la voz y un fraseo cuidadosamente elaborado le permitieron retratar con absoluta autoridad al padre de los dioses. Muy positiva fue igualmente la contribución de Atanas Mladenov como Gunther. Considerado una de las voces baritonales más importantes de su generación, Mladenov alardeó de una voz de aterciopelado color, una emisión fluida y una línea de canto particularmente refinada, cualidades con las que confirió relieve y credibilidad a la figura del inseguro y fácilmente influenciable líder de los gibichungos.
Entre los cantantes masculinos invitados sobresalió el barítono griego Aris Argiris, quien dio vida en Die Walküre a un Wotan de antología. Apoyado en una voz de timbre cálido, homogéneo y noble, manejada con un dominio técnico irreprochable y una apreciable inteligencia interpretativa, concibió un personaje de descomunal presencia escénica, caracterizado por una conmovedora combinación de humanidad, fragilidad y grandeza. Su despedida de la desobediente Brünnhilde, impregnada de ternura, dolor y resignación, se contó entre los momentos más sobrecogedores de toda la tetralogía.
En un nivel igualmente alto se situó el húngaro Krisztián Cser quien, gracias una emisión vocal imponente y a un fraseo distinguido, delineó un Wanderer de una profundidad y una autoridad poco comunes. Por su parte, el veterano y legendario Kurt Rydl compensó ciertas limitaciones vocales mediante una caracterización muy lograda del despiadado Hunding.
En cuanto al equipo de voces femeninas, la parte de Brünnhilde resultó cubierta de forma superlativo. En primer lugar, por la muy solvente Gergana Rusekova (Die Walküre), cuya emisión amplia, su timbre bien asentado, su centro cálido y sus agudos radiantes se ajustaron perfectamente a los requerimientos vocales de la indómita y predilecta hija de Wotan. En el mismo papel, Radostina Nikolaeva (Siegfried y Götterdämmerung) obtuvo un triunfo personal plenamente merecido. Con una voz lírico-spinto luminosa, vigorosa, sugerente y finamente dosificada, abordó sin mayores inconvenientes las exigencias de su parte y ofreció una interpretación de gran carga emotiva. Entre los momentos destinados a quedar en la memoria, destacaron tanto la escena de su despertar: ‘Heil dir, Sonne!’, cargado de emoción y de delicadeza, como su inmolación, ‘Starke Scheite’, ofrecida con solidez, autoridad y gran poder de convicción, dos momentos culminantes dentro de una prestación de alto nivel.
No le fue en zaga la siempre efectiva Alma Liza Bandolovska, primero como la velsunga Sieglinde y posteriormente como la gibichunga Gutrune, mostrando una línea de canto cuidada y refinada, un registro central pleno y envolvente, y unos agudos firmes y expansivos. En el ámbito escénico e interpretativo, destacó por su implicación profunda en la construcción de sus personajes.
Entre las intervenciones más destacadas figuró la de la joven mezzosoprano Vesela Yaneva, quien asumió con igual autoridad dos cometidos de gran relevancia: la inflexible Fricka en Das Rheingold y, posteriormente, la misteriosa Erda de Siegfried. En ambos casos demostró una destacable madurez interpretativa, sustentada en un instrumento de atractivo color vocal, graves aterciopelados y una expresividad siempre convincente. Poseedora de una técnica bien asentada y de una presencia escénica de fuerte personalidad, Violeta Radomirska dotó a Erda de la atmósfera enigmática inherente al personaje. Asimismo, construyó una Waltraute menos vehemente de lo habitual, aunque de indudable consistencia musical y dramática. Su intervención en el relato ‘Höre mit Sinn, was ich dir sage’ fue uno de los episodios más logrados de esta producción.
Silvana Pravcheva, por su parte, brindó una caracterización de Freia llena de naturalidad y encanto, conjugando una emisión cuidada con un timbre cálido y luminoso. En magnífico estado vocal, Maria Pavlova asumió el papel del pájaro del bosque con frescura y desenvoltura. Su voz, de bello esmalte y afinación segura, se proyectó con eficacia mientras afrontaba una compleja labor escénica que la llevó a ejecutar distintas acrobacias suspendida en un trapecio, mientras guiaba al héroe hacia al encuentro con su novia. Las ondinas del Rin, las valquirias y las Nornas fueron encarnadas por un competente conjunto de artistas locales quienes exhibieron una admirable cohesión sonora y una excelente compenetración musical, respondiendo además con plena entrega a los requerimientos teatrales de la puesta en escena.
Bajo la preparación de Violeta Dimitrova, el coro volvió a confirmar su elevado nivel artístico en las páginas corales que se le asignó en El ocaso de los dioses. Al término de la representación, la sala tributó una cálida y sostenida acogida a todos los responsables del espectáculo. Las prolongadas muestras de entusiasmo reconocieron por igual la labor de los solistas, la orquesta y el equipo artístico, ratificando la relevancia alcanzada por este Ring, llamado a ocupar un lugar destacado entre las realizaciones wagnerianas más relevantes de los últimos años.
Escena de la producción de Plamen Kartalov en la Ópera de Sofía
