Una entrevista con la mezzosoprano finlandesa, directora artística del Festival de Bregenz en Austria.
Pasaste muchos años en el escenario como cantante, y hoy estás al otro lado de la mesa. ¿Es esta una trayectoria profesional normal para una directora artística, o sigue siendo algo bastante inusual?
Creo que aún es bastante inusual, aunque cada vez más cantantes acceden a puestos de gestión y liderazgo. En el mundo de la ópera de habla alemana, los directores artísticos suelen provenir de la dramaturgia o la dirección escénica. Sin embargo, la experiencia que adquirimos a lo largo de muchos años como intérpretes constituye una excelente base para la gestión.
Por supuesto, pasar de estar en el centro de atención a trabajar en un escritorio es un gran paso. Pero lo he disfrutado muchísimo. Incluso diría que ser director artístico es mi mejor papel.
¿Te consideras un modelo a seguir o una mentora para las generaciones más jóvenes, en particular para las mujeres que aspiran a ocupar puestos de liderazgo en el sector cultural?
Por supuesto. Cuando asumí el cargo de directora artística en la Ópera Nacional Finlandesa en 2013, me convertí en la primera mujer en 100 años en ocupar ese puesto de liderazgo artístico. Por lo tanto, siento una responsabilidad hacia las mujeres que aspiran a ocupar puestos de liderazgo.
He sido mentora de varias mujeres y también apoyo a jóvenes líderes en la gestión de ópera. Escandinavia es un país muy emancipado en este sentido, y yo misma tuve mujeres fuertes como modelos a seguir y mentoras.
Sin embargo, también he experimentado el machismo y situaciones en las que sentí que podría ser más difícil para una mujer liderar una organización. Lo que me importa es demostrar que la competencia en liderazgo no es una cuestión de género. Ser competente debe ser el criterio decisivo.
Como cantante, dependes de las decisiones de otros: directores artísticos, directores de escena, representantes o agencias de ópera. Hoy, eres tú quien toma esas decisiones. ¿Tu experiencia en el escenario ha cambiado tu manera de gestionar el poder y la responsabilidad?
La transición de cantante a directora artística supuso un gran cambio psicológico para mí. Mi identidad siempre será la de cantante. Pero llegó un momento en que estaba preparada para abrir una nueva puerta, y cuando abres una puerta, también tienes que dejar ir otra.
Un puesto de liderazgo conlleva una enorme responsabilidad. Mis decisiones pueden tener un impacto significativo en el sustento y la carrera profesional de otras personas. Un puesto como este no es una cuestión de ego.
Al mismo tiempo, es un gran privilegio dar forma al programa artístico de un festival. Me encanta desarrollar programas y conceptos, y reunir todos los elementos individuales en un gran mosaico.
¿A quién contrata Lilli Paasikivi, la directora artística: a una voz extraordinaria, a una verdadera diva, o quizás a una cantante con una voz menos espectacular que sea una excelente compañera y trabaje de maravilla con todos?
Para mí, la era de las divas entre bastidores ha terminado. En el escenario queremos divas; entre bastidores, necesitamos personas que trabajen en equipo. Afortunadamente, muchos cantantes fantásticos son extraordinarios en el escenario y maravillosos compañeros fuera de él. La ópera es trabajo en equipo. Quiero contar con personas que contribuyan a un ambiente laboral positivo, que respeten a los demás, que trabajen de forma proactiva y que sean consideradas con sus compañeros.
En el escenario lacustre de Bregenz, las voces se amplifican electrónicamente. ¿Cambia esto la manera en que abordan las audiciones? ¿Podría, por ejemplo, una voz más lírica o de timbre más ligero interpretar aquí un papel que quizás no podría cantar en un teatro de ópera tradicional?
Al amplificar una voz, a veces pueden aflorar diferentes cualidades. Una voz muy metálica, por ejemplo, no es automáticamente la ideal para un micrófono. Sin embargo, la voz debe ser fundamentalmente adecuada para el papel.
Sin embargo, la amplificación puede crear nuevas posibilidades. Una voz con un timbre algo más lírico podría interpretar en nuestro escenario un papel que quizás no se atrevería a asumir en un teatro de ópera puramente acústico.
Lo maravilloso de la amplificación es que los cantantes no tienen que luchar por el volumen. Pueden usar pianissimi, colores y matices, y nuestro excelente equipo de sonido se asegura de que estas sutilezas lleguen al público.
Como directora artística, hay que decir sí, y muy a menudo no. ¿Qué es más difícil? ¿Y cómo se afronta una decisión que luego puede resultar errónea?
Cuando asumes un puesto de liderazgo, tienes que aprender a decir no. Necesitas una estrategia clara, debes ser coherente y no debes evitar las decisiones incómodas. Cada sí a una cosa implica también un no a otra.
Siempre tomas decisiones basándote en el conocimiento que tienes disponible en ese momento. Claro que ha habido situaciones en las que después pensé: quizás no fue la mejor decisión. Pero hay que aprender de ello y seguir adelante. Si tienes miedo de equivocarte, no puedes tomar ninguna decisión.
Escena de la producción de Damiano Michieleto para La traviata de Giuseppe Verdi en el Festival de Bregenz © Anja Koehler
La traviata de Giuseppe Verdi está repleta de momentos muy íntimos —‘È strano!’, ‘Addio del passato’—, así como de grandes dúos y escenas dramáticas. ¿Cómo se evita que la vulnerabilidad y la intimidad se pierdan en un escenario tan gigantesco?
La traviata combina escenas de grandes fiestas con momentos íntimos y frágiles. Me alegró mucho contar con Damiano Michieletto como director de nuestra producción. Además, era su primera vez dirigiendo La traviata. El enorme espejo de Paolo Fantin no es simplemente un elemento escénico; también se convierte en un recurso narrativo y revela capas íntimas adicionales dentro de la historia.
Por supuesto, las distancias en este escenario son enormes. En un dúo en un teatro de ópera convencional, dos personas pueden estar separadas por cinco metros; aquí, pueden ser veinticinco metros. Sin embargo, el equipo de producción ha utilizado la luz, el color y el video para crear diferentes espacios y, al hacerlo, generar intimidad incluso en un escenario tan vasto.
Como directora artística, debes tomar decisiones difíciles y asumir riesgos artísticos. ¿Tienes derecho a fracasar?
Por supuesto, como director artístico, uno quiere tomar las decisiones correctas, sobre todo porque comprende sus consecuencias. Pero este trabajo también exige estar dispuesto a asumir riesgos.
El arte es subjetivo, y cuantas más personas participan en un proceso, mayor es la incertidumbre. A veces, uno se despierta por la mañana o permanece despierto por la noche preguntándose: ¿Debo intervenir en este proceso, o debería deliberadamente no intervenir?
Si quieres crear algo interesante, tienes que arriesgarte. Si el único objetivo es evitar errores, el fracaso está prácticamente garantizado.
La resiliencia y el autocuidado son especialmente importantes en una posición tan exigente. ¿Qué haces para cuidar tu salud y crear momentos de recuperación durante la intensidad del festival?
Me preguntas esto en la cuarta semana del festival, siete días antes de que termine; probablemente lo puedes oír en mi voz y ver en mis ojos. Ser director artístico es un trabajo muy exigente. Un director artístico cansado y estresado no es un buen director artístico. Por lo tanto, debes cuidarte.
Disfruto de las pequeñas cosas de la vida cotidiana y me recupero cada día. Y claro, a veces me tumbo en el sofá a ver Netflix o llamo a mi familia y amigos. Mi vida no se limita al trabajo. El humor también es muy importante para mí. Me gusta bromear y reír con mis compañeros. Incluso cuando nos enfrentamos a grandes desafíos, quiero disfrutar de mi trabajo. Para mí, siempre tiene que haber un poco de humor, y un poco de rock ‘n’ roll.
El término “mezzosoprano” describe la voz entre soprano y contralto, aunque a veces se traduce erróneamente como “media soprano”. Dramatúrgicamente, la mezzosoprano suele ocupar un lugar secundario, si bien también existen magníficos papeles protagónicos para ella. ¿Qué significa para ti ser mezzosoprano?
En primer lugar, es una pregunta sobre la voz: ¿dónde se siente más cómoda la voz? Yo me siento al cien por cien como mezzosoprano, no solo vocalmente, sino también mentalmente. Me encanta la psicología de los personajes de mezzosoprano. Carmen y Amneris, por ejemplo, están entre mis papeles favoritos: mujeres fuertes con identidades marcadas.
Al mismo tiempo, Suzuki acompaña a Cio-Cio-San y le sirve el té. Nunca tuve ningún problema con “servirle el té” a la soprano en el escenario, si eso significaba estar rodeado de música maravillosa.
Pensemos en Rossini: muchos de sus personajes de mezzosoprano son supervivientes. Rosina, Cenicienta o Isabella en L’italiana in Algeri: son fuertes, prácticas y excelentes para resolver problemas.
Las mezzosopranos suelen morir con menos frecuencia en el escenario… Quizás por eso, más adelante, se convierten en directoras artísticas: porque son supervivientes.
