Octubre 29, 2026. Señalada como uno de los platos fuertes de la temporada 2026-2027 del Metropolitan Opera de Nueva York, el estreno absoluto de Lincoln in the Bardo constituyó una de las apuestas más interesantes de la programación. Si bien difícilmente llegará a convertirse en un título de repertorio del Met, la propuesta tiene el mérito de trasladar al universo operístico una de las novelas más exitosas, originales y celebradas de la literatura estadounidense contemporánea.
Escrita por George Saunders, ganador del premio Booker en 2017 y una de las figuras más destacadas de las letras norteamericanas actuales, la novela alcanzó una notable repercusión internacional, un éxito que también se hizo sentir en la convocatoria de estas representaciones. Entre los asistentes había un número significativo de espectadores que, más que habituales seguidores del género lírico, eran lectores entusiastas de Saunders, interesados en descubrir cómo su novela había sido trasladada al escenario operístico.
De gran originalidad narrativa y profundamente estadounidense, la trama, de carácter sobrenatural, combina historia, espiritualidad, humor negro y fantasía con reflexiones sobre el amor paterno, el duelo, la muerte y la condición humana. El relato gira en torno al episodio histórico de la muerte de Willie Lincoln, el hijo de once años del presidente Abraham Lincoln, fallecido en 1862, durante la Guerra de Secesión. Una tragedia que afectó profundamente al mandatario, incapaz de aceptar la pérdida.
El Bardo al que hace referencia el título es un concepto de la tradición budista tibetana que designa el estado intermedio entre la muerte y el renacimiento. George Saunders toma esta noción para imaginar un mundo de tránsito entre la vida y la muerte, habitado por espíritus de personas fallecidas que permanecen allí aferradas a sus recuerdos, deseos y temores, incapaces de comprender o aceptar que han muerto. Es a ese universo donde llega Willie Lincoln tras su fallecimiento. El núcleo dramático de la trama gira en torno al profundo dolor de Abraham Lincoln y al vínculo afectivo que lo mantiene unido a su hijo, impidiendo que Willie pueda completar su tránsito hacia la otra vida.
Para la ocasión, el máximo coliseo neoyorquino no ha escatimado recursos y ha presentado un espectáculo de enorme calidad, convocando para esta adaptación a un equipo artístico de reconocida solvencia creativa, integrado por la compositora estadounidense Missy Mazzoli y el libretista canadiense Royce Vavrek.
La partitura de Mazzoli, con referencias y evocaciones a Händel, Corigliano y Bartók, entre otros, se inscribe en un lenguaje musical contemporáneo, de rica instrumentación, que combina los recursos orquestales tradicionales con una exploración tímbrica poco convencional. De esta conjunción surgen atmósferas de gran elaboración, interesantes contrastes de color y momentos de delicado lirismo. Alejada de las estructuras operísticas tradicionales, la obra prescinde de grandes arias independientes: los números vocales nacen de la propia acción dramática y se integran en un discurso musical continuo, al servicio de la narración.
Peter Mattei (Abraham Lincoln), Joshua Blue (Thomas Havens) y Janai Brugger (Francis Hodges) © Karen Almond
En lo que a la vertiente vocal refiere, un lujo estratosférico fue contar con el barítono sueco Peter Mattei, auténtica figura de la representación, quien plasmó con gran contundencia el dolor íntimo de Abraham Lincoln, un padre vulnerable, desgarrado por la tragedia de su hijo y, al mismo tiempo, por la guerra de Secesión que sacude a su país. Su voz aterciopelada, cálida y homogénea, perfectamente conducida y cargada de expresividad, encontró en este personaje un vehículo ideal para desplegar sus excepcionales recursos vocales y dramáticos. Su ‘Dear Little Chap’ constituyó el momento de mayor intensidad emotiva de la representación. Con una interpretación de gran sensibilidad y cargada de detalles, Mattei condujo al personaje hacia la dolorosa toma de conciencia de la muerte de Willie, en uno de los pasajes más conmovedores de la representación. El niño Everett Sobers dio una excelente réplica como Willie, el hijo de Lincoln y centro emocional de la trama. El joven intérprete resultó muy adecuado para el papel, tanto por sus cualidades vocales como por la naturalidad y fragilidad que transmitió en su desempeño escénico.
Entre los habitantes del Bardo, conjunto de personajes fantasmagóricos, cada uno representante de una existencia interrumpida y atrapado en ese universo fantástico, destacaron por su gran desempeño vocal el bajo-barítono Ryan McKinny y el tenor Jonah Hoskins. Ambos conformaron una dupla vivaz y cómica como Vollman y Bevins, respectivamente: el primero, un espíritu cargado de frustraciones por su muerte prematura y ansioso por regresar junto a su joven esposa; el segundo, atormentado por el recuerdo de un amor no correspondido que lo llevó al suicidio.
Everett Sobers (Willie Lincoln) y Christine Goerke (Reverend) © Karen Almond
También sobresalió la soprano dramático Christine Goerke, quien asumió el personaje masculino del Reverendo, guía espiritual y moral de los habitantes del Bardo. Con una voz potente y de amplio registro, además de una imponente autoridad escénica, conquistó a la audiencia con su irónico relato de la experiencia vivida ante el juicio final.
Por su parte, el contratenor Anthony Roth Costanzo, a cargo del personaje femenino de Miss Elise Traynor, una adolescente perturbada y condenada a permanecer eternamente en el Bardo, lució una voz de particular color, dúctil y musical, aunque con cierta irregularidad en la emisión. La variedad de estados psicológicos que supo imprimir a su interpretación de ‘All I Ever Asked For.’ le valió una merecida ovación durante los saludos finales.
En las tramas secundarias, defendieron sus respectivos papeles con solvencia vocal tanto el grosero y conflictivo matrimonio Baron, encarnado por el barítono Craig Colclough y la veterana mezzosoprano Stephanie Blythe, cuyos integrantes se niegan a aceptar su muerte, como la pareja de antiguos esclavos formada por Thomas Havens, interpretado por el tenor Joshua Blue, y Mrs. Francis Hodge, a cargo de la soprano Janai Brugger. Mientras los primeros aportaron una nota de comicidad grotesca, los segundos incorporaron, a través de sus historias, la problemática de los afroamericanos sometidos a la esclavitud, ampliando el trasfondo histórico y social de la narración.
Stephanie Blythe y Craig Colclough (Mrs. & Mr. Baron) © Karen Almond
Muy bien preparado, el coro del Met, bajo la dirección de Tilman Michael, supo sacar buen partido de los pasajes de considerable fuerza que le ofreció la partitura. Por su parte, la orquesta de la casa, dirigida por el canadiense Yannick Nézet-Séguin, se adaptó a la perfección al lenguaje musical propuesto por la compositora y ofreció una lectura segura, equilibrada y de gran riqueza cromática.
Sostén indiscutible de la representación, la producción escénica concebida por la directora estadounidense Lileana Blain-Cruz recreó con gran acierto el universo sobrenatural y grotesco planteado por la trama y apuntaló el espectáculo con creatividad, buen ritmo y unas marcaciones escénicas muy estudiadas, recursos que cobraron especial relevancia en aquellos momentos en los que la música resultó menos convincente. Al transformar el cementerio de Oak Hill en un bosque espectral, la sombría e inquietante escenografía del estadounidense Adam Rigg, de exuberante vegetación, proporcionó un marco adecuadísimo para el desarrollo de la acción. A la creación de ese ambiente fantástico contribuyeron también el efectivo tratamiento lumínico del chino Yi Zhao y de la estadounidense Stacey Derosier, así como el ingenioso vestuario del estadounidense Montana Levi Blanco, alejado de una reconstrucción histórica convencional y que realzó la condición heterogénea de ese mundo de los muertos.
Mención especial merece el extraordinario trabajo del estadounidense de ascendencia puertorriqueña e italiana James Ortiz en el diseño y la manipulación de las marionetas, una galería de criaturas grotescas y sorprendentes que, con sus formas monstruosas y tentaculares, adquirieron vida propia sobre el escenario y se convirtieron en otro de los grandes artífices del universo fantástico de la producción.
Una vez caído el telón el público respondió entusiasta con una cálida ovación para cada uno de los intérpretes.
