Noviembre 4, 2026. El Palau de Les Arts ha apostado fuerte por La verbena de la Paloma, la célebre zarzuela de Tomás Bretón, con una producción de considerables dimensiones que busca convertir el género chico en un acontecimiento escénico de primer orden. Hay medios, despliegue y una voluntad evidente de ofrecer un espectáculo visualmente atractivo. Sin embargo, una vez levantado el telón, la impresión que permanece es la de una propuesta que concede demasiada importancia a su envoltorio y no termina de encontrar aquello que debería constituir su razón de ser: el ingenio, la espontaneidad y la comunicación directa con el público.
Estrenada en el Teatro Apolo de Madrid el 7 de febrero de 1894, La verbena de la Paloma forma parte del imaginario más reconocible de la lírica española. La historia de Julián, Susana y el oportunista Don Hilarión ha sobrevivido al paso del tiempo gracias a su capacidad para retratar, con humor y cierta dosis de sátira, un mundo popular de personajes, costumbres y situaciones que forman parte de nuestra memoria cultural. Una obra que, precisamente por su aparente sencillez, exige una enorme inteligencia teatral para no quedar reducida a una sucesión de estampas castizas y números musicales de repertorio.
La propuesta escénica de Nuria Castejón, estrenada en el Teatro de la Zarzuela en 2024, opta por una lectura convencional, de marcado carácter costumbrista. La escenografía de Nicolás Boni recrea con eficacia ese Madrid popular de balcones, fachadas y calles reconocibles, mientras que el vestuario de Gabriela Salaverri y la iluminación de Albert Faura contribuyen a construir una atmósfera visualmente cuidada y de indudable atractivo. Hay oficio en el planteamiento plástico y una voluntad de recuperar la estética tradicional del género sin renunciar a los recursos técnicos actuales.
La directora escénica introduce, con el prólogo titulado ‘Adiós, Apolo’ escrito por Álvaro Tato, un recurso de “teatro dentro del teatro”, incorporando los preparativos de la propia zarzuela como parte de la representación, que sería la última en el escenario del Teatro Apolo, en 1929. La idea proporciona una mirada irónica y sugerente sobre la propia historia de la zarzuela y sobre las dificultades de mantener vivo un género que ha conocido, digámoslos con los pies en el suelo, tiempos mejores. Sin embargo, el desarrollo del recurso no termina de cuajar. El humor se apoya con demasiada frecuencia en situaciones previsibles y en una comicidad elemental que, lejos de revitalizar la tradición, acaba reproduciendo algunos de sus tópicos más envejecidos. Quizá a esta gran producción de La verbena… le habría sentado bien algo más de atrevimiento, una mirada menos pendiente de reconstruir la postal madrileña y más interesada en explorar las posibilidades teatrales de sus personajes. Porque el mantón de Manila, el clavel y el balcón forman parte de su identidad, pero no bastan para hacer una brillante función.
La comicidad no encontró siempre la respuesta esperada en el patio de butacas y eso es significativo. Los diálogos y las situaciones humorísticas se sucedieron sin conseguir esa complicidad espontánea que constituye uno de los principales atractivos del género chico. En una obra de estas características, donde la palabra, el ritmo y la caracterización resultan fundamentales, la falta de naturalidad termina pasando factura. Los diálogos se lanzaban a una velocidad supersónica, irreal. Cualquier espectáculo necesita respirar, jugar con los tiempos y dejar espacio a la sorpresa. No basta con acumular guiños y situaciones supuestamente divertidas para que la risa aparezca. Lo que funcionó en Madrid no funcionaba en Valencia y en eso también incide el edificio. La gran sala de Les Arts, visualmente espectacular, aleja y enfría la relación entre escenario y público, además de poner a prueba el caudal de cada uno de los artistas.
José Miguel Pérez-Sierra se puso al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, una formación de extraordinaria calidad que constituye, por sí misma, uno de los grandes activos de la producción. Sin embargo, al menos en la función de estreno, la dirección no consiguió mantener siempre la cohesión necesaria entre el foso y el escenario. Los números de conjunto evidenciaron problemas de sincronización, especialmente en aquellos momentos en los que intervenía el coro. La Orquestra de la Comunitat Valenciana, pese a todo, mostró el extraordinario potencial de una formación acostumbrada a tener mayor protagonismo. Su calidad instrumental quedó patente en distintos momentos porque la partitura de Bretón,. La riqueza de la partitura de Bretón, con sus matices melódicos y sus contrastes es de una riqueza y refinamiento de gran calado, que exige una lectura que sepa combinar precisión, ligereza y sentido teatral.
En el terreno vocal, Borja Quiza asumió el papel de Julián, haciendo gala de una potencia y una seguridad vocal incuestionables. Su instrumento posee presencia y volumen y dio en la diana en la psicología del personaje con una combinación de chulería, vulnerabilidad y pasión que permite entender sus reacciones y, sobre todo, dotarlo de humanidad. Carmen Romeu, como Susana, ofreció una prestación vocal adecuada, con una voz de posibilidades bien asentadas y su interpretación teatral logró transmitir la picardía y el desparpajo del personaje. Susana debe ser uno de los centros de gravedad de la función, una joven con carácter, inteligencia y capacidad para manejar las situaciones a su conveniencia. La soprano valenciana lo consiguió.
Convincente, la Seña Rita de Milagros Martín, con una gran trayectoria en el género que se traduce en naturalidad escénica y una dimensión teatral que se echó en falta en otros de los muchos personajes que pueblan esta obra de carácter casi coral. Un Don Hilarión (Antonio Comas) que no consiguió desplegar toda la gracia de un personaje tan emblemático o una Tía Antonia (Gurutze Beitia) comedida que tampoco cuajó en su cometido, tampoco ayudaron a que la función haya sido inolvidable. En este gran teatro ni el cuadro flamenco consiguió introducir la energía y la autenticidad que favorecieran al espectáculo.
Hay una escenografía atractiva, un vestuario cuidado, una orquesta de primer nivel y un reparto con experiencia. Pero la suma de buenos ingredientes no garantiza necesariamente un resultado convincente. La zarzuela, y muy especialmente una obra como esta, necesita algo más que una reconstrucción estética de su pasado. Necesita ritmo, inteligencia, sentido del humor y esa capacidad de comunicación inmediata que convierte una función en una auténtica celebración teatral. La tradición no debería confundirse con la repetición, ni la fidelidad con la ausencia de imaginación.
La verbena de la Paloma merece lecturas, en los teatros que tienen los medios, que vayan más allá de la postal costumbrista. El espectáculo presentado en Les Arts es una producción de notable factura visual, aunque su resultado artístico quedó por debajo de las expectativas que despertó semejante despliegue. Al final, hubo más verbena en el decorado que sobre el escenario. Y eso, tratándose de una obra cuyo principal cometido es hacer disfrutar al público, constituye una oportunidad para el género lírico hispano.
