Octubre 15, 2026. En preámbulo de la truculenta historia apareció en pantalla un joven en estado de gran agitación anunciando tembloroso y babeante, en un texto de Lorraine de Sagazan y Louise Labé, la mortal herida causada por un reptil venenoso a la recién casada Eurydice. La potencia de su voz, el espesor dramático de su discurso, se reflejaron luego en la obertura de la obra.
Más allá de ello, Alphonse Cemin, al frente de la Orquesta Nacional de la Región del Loira mantuvo el volumen y la consistencia sonoros prácticamente durante toda la noche, con tan solo la excepción del momento en que Orphée ablandó a los seres infernales y, por supuesto, también durante el famoso llanto final del héroe, el semidiós. La opción espesa y ruidosa del foso respetó tiempos y notas, pero alcanzó por momentos la grandiosidad de la música del siglo XIX. Ello obligó a los cantantes a alzar el volumen de sus voces y aunque no lograron en todo momento dominar la situación (vale decir el foso), desvirtuaron en múltiples ocasiones, a su pesar, la tradicional ligereza, la maravillosa sutileza de sus cantos. En corolario —bien desafortunado— de la situación sonora creada por el foso desaparecieron por completo de nuestros oídos los textos de Ranieri de’Calzabigi traducidos al francés por Louis Moline (no acreditados en el programa de mano, probablemente retocados por Lorraine de Sagazan y Louise Labé). Por fortuna, el supertitulaje restituyó una parte de ellos.
Sahi Ratia vistió a Orphée con una emisión clara y viril, de timbre uniforme y agradable. Perdió algunas consonantes en sus decires, pero perfiló con pericia y temple los interminables monólogos que le tocaron en suerte, empuñó con ciencia y arte la parte dramática de su trabajo y en definitiva impuso una personalidad convincente a su personaje. Consiguió imponerse a la orquesta en ocasiones al precio de desvirtuar, por estridente, el ambiente general, a la vez tenso y calmado que requería el mito.
No tan bien defendió Jenny Daviet el rol de Eurydice. Cierto que la artista expresó las distintas actitudes de la recién casada frente a su esposo amado, pero su dicción adoleció de espesor y ello infantilizó en exceso el personaje. Mariamielle Lamagat cumplió ampliamente su cometido con gran agilidad, un bello timbre y soltura dramática en el papel de Amour.
Dígase y subráyese que fue el coro de la casa —dirigido recientemente por Maïna Guillamet— el que se llevó esta noche el gato al agua, lo mismo por la parte musical que por la dramática. Vestidos los coristas con diversidad de atuendos disparatados y feroces, en forma de bestiarios esperpénticos salidos del “Jardín de las Delicias” de Jérôme Bosch (un gran bravo para Anna Carraud, la figurinista) lograron entonar sones coherentes, seguros y bien labrados aun actuando cada uno por su lado en un aparente desorden excesivamente bien organizado.
El variopinto vestuario del coro iluminó la escena en la segunda parte de la velada. La contribución, notoria, de la escenografía de Anouk Maugein, transparente en la primera parte de la velada, consistió en una concretización de los infiernos metálica y pues fría, seguramente para huir del consabido fuego con el que se suele representar el temido lugar. La puesta en escena de Lorraine de Sagazan, fue de buena factura pero convencional y sin mayores riesgos ni otros mensajes en su parte dramática para con los actores sino cumplir con lo escrito por el libretista. Las payasadas de poca monta impuestas al personaje de Eurydice (como la puerta de los infiernos de pésimo mal gusto en forma de inmenso sexo femenino) no lograron hacer bascular la obra hacia el feminismo combativo deseado por la directora. Conclúyase diciendo que los numerosos títulos y notas aparecidos al fondo del escenario, por una parte fueron difíciles de leer y por otra (peor) apartaban al espectador de su propia interpretación de la obra. Este procedimiento usado por grandes autores teatrales para aleccionar al pueblo resulta pesado y diríamos casi insultante para el espectador.
La nota final, a nuestro entender positiva, llegó con la frase que cierra la obra. Anticipándose 13 años a la famosa declaración de “Viva la libertà!” cantada por el protagonista de Don Giovanni (1787) de W. A.Mozart, C. W.Gluck propuso la maravillosa expresión, escueta y de gran alcance: “Sa chaîne agréable (de l’Amour) est préférable à la Liberté” (“Su cadena agradable (del Amor) es más ventajosa que la Libertad”).
