Octubre 15, 2026. Hay óperas que no admiten una puesta en escena inocente. Carmen, de Georges Bizet, es una de ellas. Su Andalucía de cigarreras, soldados, contrabandistas y toreros no constituye un simple decorado pintoresco: forma parte de su ADN teatral. El desafío consiste en atravesar el tópico sin vaciarlo de sentido, encontrar la verdad humana que late bajo el folclore, sin confundir modernidad con despojamiento.
En la apertura de temporada del Palau de les Arts, la nueva propuesta escénica de Ted Huffman, coproducida con el Grand Théâtre de Ginebra, emprende ese camino con ideas sugerentes, aunque no siempre alcanza su destino. El concepto de imaginar vertebra una propuesta que reduce el espacio a una tarima rectangular rodeada de sillas dispares. Fábrica, taberna y sierra se suceden sin apenas transformación, confiando al espectador la reconstrucción de cuanto la escena omite. La escenografía de Nadja Sofie Eller y la iluminación de Urs Schönebaum apuestan por la desnudez; el vestuario de Astrid Klein transita entre épocas hasta reservar para el desenlace las referencias más reconocibles a la iconografía española.
La intención resulta comprensible: liberar Carmen de la postal y devolverla a su dimensión universal. Pero el minimalismo necesita una idea dramática coherente y una dirección de actores que lo sostenga. Aquí, la tarima apenas adquiere significado y las sillas, el humo y un ventilador que pretende señalar el calor sevillano terminan por acumular signos sin articular un discurso convincente. Los contrabandistas, convertidos en desplazados entre maletas, abrigos y una hoguera, ofrecen uno de los momentos más evocadores; otros pasajes, en cambio, quedan suspendidos en una abstracción que enfría las relaciones y debilita el conflicto. Tampoco ayuda la presencia constante de bailarines/figurantes, convertidos a ratos en narradores de la acción. Sus intervenciones, con explicaciones en español, entre actos, rozan lo didáctico, mientras que el baile flamenco previo al desenlace introduce un folclore que la propuesta parecía querer evitar. La coreografía de Pim Veulings tiene destellos de gracia, pero su protagonismo interfiere en ocasiones con las escenas cantadas. Paradójicamente, cuanto más se esfuerza el montaje por huir de la españolada, más evidente se vuelve la dificultad de prescindir de los códigos que hacen reconocible esta ópera.
El aliciente de la noche llegó desde el foso. Michele Spotti dirigió a la Orquestra de la Comunitat Valenciana con tiempos vivos y una agilidad que no siempre se tradujo en claridad. A ratos iluminó la música de Bizet y en otros los emborronó. Asistí a la última de las seis representaciones programadas y se notó un trabajo bien engrasado. La cuerda lució especialmente, los motivos circularon con fluidez y el equilibrio con las voces fue notable. Spotti ofreció una lectura fresca, juvenil y a veces demasiada rápida, de pulso firme y contrastes enfáticos. Faltó, eso sí, una mayor expansión dramática en el desenlace. La escena de la muerte de Carmen pide que la música se convierta en una fuerza casi insoportable, que el júbilo colectivo y la tragedia individual choquen hasta abrasarse. Spotti mantuvo el control cuando quizá convenía arriesgar más, dejar que las ominosas frases de la cuerda se apoderasen del aire. Aun así, la orquesta tuvo una actuación sobresaliente y recordó, por sí sola, la modernidad intacta de la partitura.
El conjunto de solistas principales fue solvente en general, pero no lograron transmitir verdad. Parecía que estuviesen enfadados con la vida y el hielo, con excepciones, se hizo dueño y señor del escenario. Vasilisa Berzhanskaya construyó una Carmen de lirismo elegante y considerable solvencia técnica, pero alejada de la sensualidad desafiante y el magnetismo que el personaje reclama. Su ‘L’amour est un oiseau rebelle’, la seguidilla y las coplas del tercer acto, pueden entenderse con cierta contención, pero ella los presentó de una forma tan aséptica que era imposible imaginar a la cigarrera de Bizet. Los agudos, de esmalte y proyección admirables, impresionaron; faltó, sin embargo, que la cigarrera impusiera su libertad y su misterio más allá de la calidad vocal. La concepción escénica tampoco le ofreció demasiadas herramientas para hacerlo.
Charles Castronovo comenzó con cierta irregularidad, pero creció a partir de ‘La fleur que tu m’avais jetée’. Su Don José ganó en intensidad y arrojo a medida que avanzó la función, hasta alcanzar en el desenlace una tensión dramática convincente. Ruth Iniesta fue una de las grandes beneficiadas de la noche: su Micaëla, dulce sin renunciar a la proyección, emocionó en ‘Je dis que rien ne m’épouvante’. Su voz posee amplitud, aunque en algunos momentos agradecería una regulación más refinada del caudal. Davide Luciano se llevó buena parte de los aplausos como Escamillo. Su instrumento carnoso, la presencia escénica y el carácter convirtieron su ‘Votre toast, je peux vous le rendre’ en uno de los puntos culminantes de la velada.
Estuvieron bien Aitana Sanz y Lora Grigorieva, compenetradas como Frasquita y Mercédès, especialmente en el trío de las cartas. El Coro de la Generalitat Valenciana, tras un comienzo algo desajustado, recuperó su nivel, mientras los niños de la Escola Coral Veus Juntes y de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats aportaron frescura y una presencia luminosa.
Esta Carmen dejó, en definitiva, una impresión desigual. Huffman planteó preguntas pertinentes sobre la representación de una obra atravesada por convenciones culturales, pero su respuesta escénica no siempre consiguió transformar la provocación en emoción. Spotti y la Orquestra de la Comunitat Valenciana encontraron en la música una verdad que la escena solo alcanzó de manera intermitente. Cuando la partitura toma la palabra, Bizet vence; cuando el escenario pretende explicarla, la magia se resiente.
El Palau de les Arts abrió su temporada 2007, la segunda de su historia, con una propuesta escénica de Carmen firmaba por el cineasta Carlos Saura. Aquellas funciones, aún con Lorin Maazel en el foso, pasaron sin pena ni gloria. La puesta en escena de Saura tuvo un “revival” en 2010, con Zubin Mehta en el foso y un elenco de nombres famosos (Elīna Garanča, Marcelo Álvarez, Marina Rebeka, Alexander Vinogradov) y el resultado teatral fue parecido. En este nuevo intento, pasados casi 20 años de parir una Carmen con peso específico, el resultado vuelve a ser desigual. Fuera del teatro queda el eco de una música extraordinaria y la sensación de que a esta Carmen, digna de interés aunque lejos de ser redonda, le faltó precisamente aquello que ninguna tarima puede fabricar: fuego.
